Este apartado está destinado a los trabajos que he ido recopilando en estos años de investigación. El estudio del teatro objetual me ha obligado a relacionar toda cuestión estética del objeto, por lo que a medida que los vaya traduciendo a lenguaje cibernético, iré añadiendo documentos relacionados con el títere, la máscara, la caracterización, la elaboración de objetos y fichas de caracterización.
Espero que sirvan de ayuda para proporcionar al investigador, documentación elaborada sobre estas materias y permitan a los loc@s por el teatro como yo, a encontrar alguna de las respuestas que a veces tanto se buscan.
Comencé este documento buscando imágenes de los personajes de la Commedia del Arte como apoyo las clases de Caracterización I que impartía en el Centro Superior de Arte Dramático en Las Palmas de Gran Canaria y actualmente sigue siendo uno de mis focos de atención.
ANTECEDENTES: Actores enmascarados y enharinados.
En el S. XV d.C. finaliza la Edad Media y emerge el Renacimiento. En las representaciones teatrales, la máscara había sido condenada por la Iglesia; sólo subsistía en algunas escenas de los misterios “populares” y de los divertimentos públicos, por cierto, bajo su aspecto grotesco.
CARACTERÍSTICAS: Los cómicos son actores de oficio, decididos a hacer del teatro una verdadera empresa comercial. Suelen interpretar el mismo personaje durante toda su vida, de mil formas diferentes, tanto en calles como en palacios. Su memoria es una enciclopedia de máximas, declaraciones de amor y bromas; Además de acróbata, músico y orador, los actores son maestros de la improvisación. Deambulan por toda Europa, en compañías estables.
ARGUMENTOS: El guión de las comedias estaba tejido generalmente alrededor de las aventuras de los enamorados, que se refieren siempre a episodios reales de la vida de aquel tiempo. Su amor, conceptual y dialéctico, contrastaba con la grosera y violenta pornografía de los siervos. El éxito de la comedia del arte radica plenamente en la interpretación de los actores, pero existen unos bocetos escritos que indican los principales hilos argumentales (CANOVACCIO “Cañamazos”). Los cómicos bordan su papel improvisando los diálogos. Cuando a un actor le falla la elocuencia o desea animar una escena, recurre a los LAZZI: Payasadas que consisten en gestos, juegos de palabras, muecas, etc…, que distraen al público, dando tiempo a la compañía a retomar el hilo.
PERSONAJES: En la Commedia dell` Arte, los personajes se sitúan en una escala de poderes que corresponde a su jerarquía social.
Amos: Pantalone, Capitano y Doctore
Pulichinela (cuando ejerce de encargado de los Sirvientes)
Cortesana (no siempre aparece).
Servetas
Zannis
En ocasiones aparecía el personaje de la bruja.
CARACTERES DE LOS PERSONAJES: Son estereotipados: tienen un acento, una psicología y unos tics inamovibles. A los Enamorados, que interpretan papeles serios, se oponen los Viejos y los Bufones, que llevan medias máscaras.
Las compañías de comediantes del arte, formadas generalmente por familias que se legaban la tradición de improvisar, dieron casi desde su comienzo los papeles femeninos a mujeres que eran esposas, hijas o madres de los actores. Dentro de la comedia, ellas estaban poco determinadas como tipos; se les pedía sobre todo ser bonitas o graciosas, saber cantar, bailar y tocar instrumentos. Su mayor exigencia era ser deliciosas y encantadoras y para producir siempre efectos teatrales en base a su belleza natural, no usaban máscaras; sus vestidos, tampoco determinados, debían ser siempre los de la última moda, más o menos recatados o libres según sus papeles. Encontramos tres tipos: la servetta, la amorosa y la cortesana.
LAS MÁSCARAS: Más que grotescas, son estilizadas. La máscara del arte fija y determina las características psicológicas de un personaje, pero nunca lo limita, porque sus rasgos son sutiles; da al actor y al público la oportunidad de intuir ante quien está, pero oculta al mismo tiempo una serie de posibilidades e imposibilidades. Define la expresión de un tipo y la hace intensa, pero no sólo a través de los gestos del rostro, sino con la voz y la actitud de todo el cuerpo, haciendo de éste un nuevo rostro de movimiento incesante, estudiado, perfecto; y demuestra así que “los gestos tienen un lenguaje, las manos tienen una boca, los dedos tienen una voz” como ya pensó el poeta griego Nonnus en el S. V d.C.
Estaban confeccionadas en un cuero delgado y liviano humedecido y moldeado sobre un positivo de la máscara tallado en madera, que normalmente construían los Coragios de las cías. Como herramienta de pulido se empleaba el colmillo de jabalí. Privaba al actor de movilidad de expresión, pero le permitía entregarse al “juego de mover la máscara” y transformarla según los diversos ángulos de exposición.
La etimología de Zanni ha sido muy discutida y algunos autores apuntan que se deriva directamente de sanio, análogo tipo de bufón del teatro latino. Pero la opinión más común es la que afirma que se trata de un diminutivo dialectual de Giovanni “Giani”, nombre veneciano que alude a todo un estamento popular. Originalmente en Venecia, se llamaba Zani o Zanne a los campesinos bergamascos que se colocaban como criados. Es un criado que ha dado origen a otros personajes, el criado sensato Brighella y el torpe y ridículo Arlequín y a otros zannies que después se llamarían Scapino, Turffaldino, Sganarello, Tartaglia, Ganassa, coviello… Habla siempre el dialecto bergamasco.
En Venecia va vestido de harapos y lleva la cara tiznada por el carbón. El Magnífico termina siempre por burlarle, mofándose de él. En el traje de harapos de los Zannis se a querido ver el origen de los remiendos primitivos de la indumentaria de Arlequín y en las máscaras negras, se ha señalado una exageración de la cara manchada de carbón.
En Florencia, Suele vestir túnica blanca atada a la cintura por medio de una cuerda.. Anchos pantalones remendados sobre los tobillos y cubrecabezas echados para atrás. También tiene la cara tiznada que ha veces se remata con una barba selvática.
SU ORIGEN:
La leyenda sobre el origen de su nombre acrecientan el misterio del personaje: la más antigua es la de una jauría de condenados que, perseguidos por diablos menores, galopan en las noches de tormenta hasta el fin del mundo: aparece en Francia en la segunda mitad del S. XIII cono Herlequin, tipo cómico de diablo que luego, en Italia, forma grupos de enmascarados, que bajo el mismo nombre, organizan charivaris o cencerradas para perturbar las bodas de los viudos.
En el canto XXI del Infierno, el más grotesco de La Divina Comedia, conocemos el nombre y el acto de uno de los diablos menores y groseros, Alichino.
Más tarde aparece el tipo cómico del hombre que en los vestidos, las costumbres y los instintos recuerda a un diablo juguetón, cínico, rufianesco y burlón, que al entrar al escenario de la comedia italiana con estas diabluras y como segundo zanne, adopta el antiguo nombre francés.
Se remonta probablemente hasta el Sannio, Bufón de las farsas latinas que llevaba el rostro pintarrajeado de hollín, la cabeza rapada y un traje de retales multicolores. Conserva características de del Mimus Centunculus de la Comedia Nueva. Parece que Arlequín fue al principio la personificación de los bergamascos (Bérgamo bajo).
El primer Arlequín de el que nos enteramos es Alberto Naselli, de Bérgamo, en 1572. Su vestido, originalmente la camisa y pantalón blancos del zanne, se convierte en una túnica corta y pegada al cuerpo; pero como es pobre, al romperse, cose en ella parches de distintos colores y formas, que recuerdan la costumbre de los juglares que, por elegancia, pegaban en su traje trozos de fina tela. En el siglo XVII, los parches se hacen una red fija de figuras geométricas bordadas o tejidas sobre un fondo coloreado.
Máscara primitiva de Arlequín.
Esto trae una semejanza fuerte con el ” omo salvadego ” la personificación.
Principalmente usado en el tardío S. XVII. Posteriormente fue substituido por uno más sofisticado y menos salvaje
La máscara primitiva del Arlequín, que durante siglos se realizó en madera y serviría como modelo para la típica máscara de cuero, mucho más sofisticada.
Arlechino
A. Santori. S XVIII
EVOLUCIÓN:
Pasó después a Francia en el siglo XVIII.
Arlequín conservó el traje tradicional: la mascarilla negra, el sombrero gris, el traje de retales multicolores y la vara, que más tarde fue sustituida por una estaca larga formada por dos palos que al golpear hacían un fuerte ruido; esta era empleada por su amo para darle las palizas.
Pero aunque en Italia era un personaje cínico y perezoso (con estas características se convirtió en le Hanswurst de la comedia Alemana ), en Francia Arlequín se presentó con un aire menos tosco, más elegante, pulido por el amor, el juego del amor y del azar.
En la segunda mitad del S. XVIII se convirtió en protagonista de multitud de comedias y óperas bufas.
MASCARA:
Color negro. Media máscara de visión sobre todo frontal, que cubre desde el labio superior hasta la frente. De nariz achatada, ojos pequeños, mejillas marcadas en circulo y con un chichón en el lado izquierdo de la frente. Mirada y aspecto de gato astuto.
El traje de chaqueta corta a cuadros o rombos con retales de distintos colores y un gorro gris que le sirve de juego. El detalle de que se adorne el sombrero con la cola de un animal , conejo, liebre o zorra, precede de una burla muy corriente en la Edad Media, acusadora de un signo de cobardía.
En el S. XVII ya no tiene barba. Se ha refinado sus maneras y sus costumbres. Su traje casi ajedrezado se ordena y enriquece y luce cuello o goleta blanca.
Su nombre procedía de briga (en italiano “brigare” significa engañar). Apareció en 1603, adquirió gran popularidad en el setecientos. Es el primer zanne. Proveniente de Bérgamo Alto. Personaje cínico, sagaz, dulzón. Es guitarrista de voz melódica y su natural desganado no le impide bailar y saltar. De él derivan Flautino y Scapino. En Francia deriva en Scapín, Pasquín y Turlupin.
Goldoni lo domesticó en su obra trasformándolo en el sirviente antiguo y haciéndose moderadamente “spirutoso” Llevaba un traje blanco (librea) adornado con bandas verdes.
MÁSCARA:
Color olivácea, de ojos oblicuos, labios sensuales y mentón bestial.
MÁSCARA:
Nariz aguileña, máscara negra con barba y bigotes. Cruel y fría, su nariz espiritual y ridícula, acentúan el carácter de todo el personaje.
Sus rasgos físicos presentan variantes según la época y los lugares. A parir del S. XVII viste completamente de blanco. En Francia se convierte en un ser jorobado y panzuelo. En 1685 adopta un traje donde destacan los calzones rojos y amarillos listados de verde. Su chepa se perfila en forma de pico vuelto hacia arriba y su vientre prominente se convierte también en otra joroba. Se toca con un sombrero de fieltro de alas levantadas adornado con plumas de gallo. Pierde la máscara.
Pierrot con guitarra
1924. Realismos de nuevo cuño
Autor:Gino Severini
Oleo sobre lienzo 130 x 89 cm.
Mezzetino.
Dibujo de David Claudon
Colombine. 1683
Escena de Comedia del Arte. 1577
MÁSCARA:
De color es marrón o negra. Con nariz prominente y ganchuda, de vez en cuando, con gafas redondas. Sus cejas son pobladas y tez arrugada. Él tiene un bigote gris y una larga barba blanca operilla. Visión lateral.
Shakespeare describió este tipo en “Como gustéis”.
(Doctor Balanzon) El Pluscuamperfecto Doctor Gratiano, de apellido Baloardo (zopenco) o Balanzone ( balanza) ocupa el lugar del pedante de la comedia latina. Antecedente de Tartaglia (el tartajoso), representativo de Bolonia (ciudad donde se sitúa la Universidad). Médico ignorante y pedante, grueso. Vestía como los médicos del S. XIII. Bien trajeado, gran capa negra, gorguera blanca y un enorme sombrero de ala ancha. Un pañuelo blanco y siempre con un libro en la mano, que seguro no ha leído. Hablador. y retórico, con una mezcla de Italiano, latín y boloñés.
MÁSCARA:
Su mascarilla sólo cubre la rechoncha nariz y las cejas.
El capitán de nombres sonoros y horripilantes se relaciona con el Miles Gloriosus de Plauto. Existe desde el S. XVI como “poltrone” italiano, pero bajo la dominación española se define tomando características y aun lenguaje españoles.
Español y representante, por tanto, del tipo de capitán mercenario fanfarrón que paseó por todo el mundo durante el periodo del gran poderío militar español. Siembra doquiera el terror, inspira grandes amores, y muere de miedo.
Se presenta en la Commedia dell´ Arte bajo los nombres de Capitano Spavento della Valle Inferna, Capitano Spezza- Monti, Capitano Coccodrillo, Capitano Mala- Gamba e Bella- Vita, Capitano Tagia- Cantoni, Capitano Cerimonia, Capitano Fracasse, Capitán Matamoros.
De él descienden Spaccammonti, Matamoros, Espaventa del Valle del Infierno.
Spavento, Rinoceronte, Spezzafer, Fracassa, Rodomont, Giangurgolo (de Calabria), todos hermanos del Capitán español Matamoros.
Muy patoso, siempre inventando historias en la que él ha vencido. Vestía traje caro, de gentil hombre del S. XVI, con un gran sombrero emplumado, una espada desproporcionada y capa al hombro. Delgado, largo como el hambre, con una voz que parecía salida de una caverna.
MÁSCARA:
Media máscara con una prominente nariz que apunta hacia arriba, mostachos erizados. De visión lateral.
La Enamorada fue originalmente un papel desempeñado por los hombres en Inglaterra y Francia, debido a la “lascivia y el adulterio” relacionados con la el papel de la mujer. No se limitaron las mujeres caracteres: La amante de los amos, llamada en diversas ocasiones Isabelle, Columbine o Zerbinette; la cortesana o Bawds y la sirvienta de los nños o una enfermera.
La ropa en general era la de la época, con el uso de las más ricas prendas de vestir. En lugar de una máscara, las mujeres llevaban un poco de terciopelo negro loup para proteger su belleza. Estos loups fueron usados tanto en el teatro y en la calle.
– Gran enciclopédia Larousse. Editorial Planeta, S.A. Barcelona.
– María de la Luz Uribe: La comedia del arte. Ediciones Destino. Colección Destinolibro. Volumen 209
– Los teatros del mundo. Sm saber. Artes escénicas.
– Diccionario Alkal de Teatro. Manuel Gómez García. 1997. Madrid
http://www.darksidemasks.com/
Una gran interpretación moderna de siete de las máscaras de la Comedia del Arte
The Italian Comedy
Quizás el mejor de los libros disponibles sobre el tema. Autor: Pierre Louis Duchartre Dover, 1966.Las imágenes de Callot se encontraron aquí